Por Wendy Blake
Una nueva exposición en la Soportal Bard Graduate Center titulada «Sightlines on Peace, Power & Prestige: Metal Arts in Africa» presenta 140 impresionantes artefactos, en su mayoría del siglo XVIII a principios del XX, contiguo con obras contemporáneas de artistas de África y el continente africano. diáspora. Al estimular “conversaciones” entre estos objetos y sus creadores, la exposición pretende forjar líneas de conexión desde el pasado hasta el presente.
“La historia de desplazamiento y despojo que sufrieron estas fundiciones de metales significa que muchas de sus historias son inaccesibles”, dice el curador Drew Thompson, profesor asociado del Bard Graduate Center. “¿Qué haces mientras estás fuera?”
Esta pregunta es el catalizador de los cambios que Bard realizó en la exposición diferente, curada en el Museo Harn en Gainesville, Florida. En circunstancia de agrupar las piezas en metal por época o material, la Bard Gallery ha organizado las piezas temáticamente para permitir nuevas asociaciones. Bard todavía añadió obras contemporáneas de 13 artistas de renombre mundial. Estos cambios contextualizan los objetos y nos invitan a reconsiderar sus historias: las personas que los hicieron, quienes los usaron y de quienes fueron separados, y las formas en que están “en los saludos y en las manos de la parentela circulan”. dice Thomson.
El enfoque en el cómo y el por qué del diseño de exposiciones tiene sentido porque la museo de la casa de West 86th Street está conectada con el Bard Graduate Center, que prepara a los estudiantes para carreras en el mundo docente, museos y el sector privado. Durante mi invitado, había un congregación de estudiantes discutiendo cómo el diseño daba circunstancia a diferentes interpretaciones. El Bard Graduate Center, afiliado a Bard College, fue fundado en 1993 por la historiadora del arte Susan Weber con el objetivo de comprender el pasado a través de objetos, aquellos creados tanto con fines estéticos como cotidianos.
Thompson, el curador, hizo otro cambio en la exposición de Florida para pulsar la atención sobre los mercadería devastadores del colonialismo al excluir cinco objetos de la exposición diferente y reemplazarlos con pedestales vacíos. Se encontraban entre los “bronces de Benín” saqueados durante la enorme ocupación británica del Reino de Benín, en África occidental, lo que dio circunstancia a que miles de artículos se esparcieran por todo el mundo en instituciones y colecciones privadas. Thompson señala: «Como curadores, desempeñamos un papel en la tolerancia de debates».
La primera sala de la exposición, titulada “Extirpación”, examina la explotación de posibles coloniales y la esclavitud de hábiles orfebres, algunas de cuyas tradiciones se remontan al siglo VI. “Double Plot” (2018), un tapiz del actor nigeriano-belga Otobong Nkanga, representa líneas plateadas que se asemejan a vetas de mineral, tierra marcada, fronteras y constelaciones con el telón de fondo del sistema solar. Una figura sin inicio manipula un hilo de cobre que corre a través de manos apretadas y círculos parecidos a planetas que llevan imágenes de protesta. El trabajo refleja las ideas de Nkanga sobre cómo la explotación de la tierra altera los sistemas que permiten la restauración y la regeneración.
Aquí hay mancuerna de latón utilizadas para contar el polvo de oro por el pueblo Akan, que una vez controló el comercio de oro en África Occidental. Incluso el peso más pequeño tiene una historia: uno de la época de la colonización británica de lo que hoy es Ghana tiene la forma de un asiento auténtico, pero sigue el maniquí de las sillas plegables de los colonos europeos. El software todavía señala que la “cuna” no es personal, como se ve en un segur ceremonial Teke tachonada con clavos de latón que fue importada a África desde Europa.
En la Sala de Devoción hay una impresionante figura de centinela de una reliquia de latón y cobre del siglo XIX procedente de Gabón que se dice que «da vida al poder de los muertos», dice Thompson. Una función de audio traza una “dirección de visión” entre la figura y una instalación espeluznante: “Swing Low” (2015) de Nari Ward, una actor neoyorquina nacida en Jamaica. De una cuerda gruesa cuelga un aro de bronce, que es al mismo tiempo un columpio para niños y un símbolo del lapidación. Las zapatillas de deporte, “reliquias” de hombres negros brutalmente asesinados, atraviesan el rueda y sus puntas bronceadas ofrecen la posibilidad de tracción y movimiento.
En el radio de “Protección” hay un monumento a las víctimas de la migración forzada: “Senait & Nahom. The Peacemaker & The Comforter” (2019) de Tsedaye Makonnen, hija de refugiados etíopes. La luz de una torre brilla a través de cortaduras de cruces coptas etíopes, en conmemoración de una mujer eritrea de 19 abriles que mató a su bebé y a ella misma en un centro de orfelinato. Cerca hay una rara «cruz de pecho» de plata de finales del siglo XV, posiblemente de Etiopía, con una imagen de María y el impulsivo Jesús, que se dice que se usó como protección.
Historias secreto permanecerían sin contar si la estética fuera el único cristal a través del cual ver estos objetos. Las tobilleras de latón del tamaño de un plato que usaban las niñas y mujeres igbo solteras a principios del siglo XIX obstaculizaban a sus portadoras e incluso podían obstaculizar su exposición. Compare esto con las elaboradas joyas del taller de orfebrería del reconocido diseñador senegalés Oumou Sy. Usar este tipo de joyas encarna una tradición wolof emplazamiento Sañse, que Sy define como “atreverse a presentarse en la forma más bella, sin miedo”.
La idea de cese se refleja en las numerosas campanas expuestas, objetos utilizados para convocar a los antepasados y a los espíritus. Cuando nos encontramos con una campana antigua, con su enigmático rostro humano virginal pero sin el cotilla, nos animamos a imaginar un rico paisaje sonoro y rituales que se nos escapan sin documentación.
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